美国字体设计师莫里斯·富勒·本顿设计的百老汇字体。
“百老汇”体（Broadway font）则是由美国字体设计师莫里斯·富勒·本顿（Morris Fuller Benton, 1872—1948） 为当时最著名的美国字体公司ATF（American Type Founders的简称）设计的，最初的设计全部为大写字母，两年之后，另一位美国字体设计师索尔·赫斯（Sol Hess, 1886—1953）将其扩展至小写字母，并开发出带装饰线的百老汇字体来。这一字体流传很广，报纸上、杂志上、建筑物的铭牌上都经常可以见到。
在法国，有大量艺术家和设计家从事商业海报和其他平面设计，取得了傲人的成绩。他们的广告、海报都具有独特的形式主义特点，色彩明快、构图别致，不是简单的产品照片或者效果图而已，这种风格被许多法国画家、插图画家、平面设计师采纳使用，创作的题材也比较集中于法国上层阶级的奢华生活，特别是夜总会、舞厅、歌女、赌场、衣着入时的俊男美女、都市的生活等等。很多平面设计采用了巴黎多姿多彩的夜生活作为背景，具有强烈的时代感和地方色彩，更增强了广告效应。
法国在“装饰艺术”的平面设计方面，实力雄厚，独领风骚，形成了两个重要的中心，即波尔多和巴黎，并涌现出一批非常优秀的艺术家、设计师，对于“装饰艺术”平面设计的发展起到非常重要的作用。前面论及的A.M.卡桑德拉，就是其中的佼佼者。
A.M.卡桑德拉于1901年出生于乌克兰的克拉科夫市，父亲是法国人，母亲是出生在乌克兰的俄国人。他14岁随父母移居巴黎，先后入读巴黎的国立美术学院（Ecole des Beaux-Arts）和朱里安学院（Academie Julian）。为了给自己筹足费用，他在巴黎的赫查德与康帕涅印刷公司（Hechard et Compagnie Printing Firm）找了份工作，从此开始了自己的平面设计生涯。
1923—1926年期间，卡桑德拉设计出大量高水平的海报，他的设计受立体主义和超现实主义画派的影响很深，同时也具有强烈的“装饰艺术”风格。他的设计图形非常简单，具有高度象征性。他对于文字非常有兴趣，总是尽量把文字和图形融为一体。他的海报设计是象征性的立体主义平面风格的杰出典范。1925年，他为巴黎的一份报纸《L'Intransigeant》设计海报，描绘了一个正在高声呐喊的女性，多条放射状排列的电线通到她的耳孔中，既有强烈的“装饰艺术”风格，又非常形象地强调了报纸的宣传特性。
1937年，迪士尼动画片《白雪公主》的海报，画面上的人物，采用了动画创作者、瑞典裔美国插图画家古斯塔夫·廷格仁（Gustaf Tenggren, 1896—1970）的动画人物原型。
卡桑德拉为法国邮轮『诺曼底号』设计的海报。
俄裔德国设计师波利斯·比林斯基（Boris Bilinsky, 1900—1948）1927年为德国乌法电影公司出品的影片《大都会》（Metropolis ）设计的宣传海报。
卡桑德拉为法国报纸《L'Intransigeant》设计的宣传海报。
卡桑德拉在1931年为法国横渡大西洋的轮船“大西洋号”（L'Atlantique）设计的海报，夸张地把轮船描绘成一个巨大的纵向长方形，视觉效果非常强烈。巨轮前面有一只小小的拖船，利用这个强烈的大小对比，凸现了“大西洋号”的庞大和安定的特征。他的最杰出海报设计大部分是为铁路公司和轮船公司而做的，1927年为法国铁路“北线快车”（Nord Express）和1935年为远洋游船“诺曼底号”（Normandie）设计的海报等作品，都是“装饰艺术”的经典作品。他在1927年为法国铁路公司的巴黎—布鲁塞尔—阿姆斯特丹路线设计的海报，完全利用铁路的透视和道岔的交错组成几何的图案，铁路无限延伸，消失点上是一颗星，具有强烈的时代感。他的许多海报都被客户使用了20年以上，可见其魅力和受欢迎的程度。
1930年代以后，A.M.卡桑德拉迁移到美国工作，继续从事平面设计。他的客户包括《哈伯杂志》、美国集装箱公司（Container Corporation of America）等等。1939年他回到巴黎，投身于绘画创作和设计芭蕾舞、戏剧演出的舞台、服装，以后30多年，他的主要工作集中在戏剧舞台设计上。
除了卡桑德拉以外，还有一些在平面设计方面很有成绩的法国设计师，包括查尔斯·盖斯玛、罗伯特·法尔库西、罗杰·布洛德斯、让·卡卢（Jean Carlu, 1900—1989）、保罗·科林（Paul Colin, 1892—1989）等。
查尔斯·盖斯玛为米斯廷奎特绘制的演出海报。
查尔斯·盖斯玛为米斯廷奎特1927年在红磨坊的演出绘制的海报。
让·卡卢1931年为《名利场》杂志4月号设计的封面。
让·卡卢第二次世界大战期间设计的海报《美国的回答——生产》。
让·卡卢1930年代为法国《电气厨房》杂志绘制的插图。
爱德华·考佛1919年为英国《每日论坛报》绘制的宣传海报。
保罗·科林1927年为香榭丽舍剧院绘制的黑人舞蹈演出海报。
保罗·科林1925年为巴黎著名舞蹈家路易·富勒（Loie Fuller, 1862—1928）在香榭丽舍剧院的告别演出绘制的宣传海报。
罗伯特·法尔库西1930年绘制的蒙地卡罗汽车大赛宣传海报。
保罗·科林二战期间为鼓励民众购买法国自由债券绘制的宣传画。
查尔斯·盖斯玛为玛丽安·福德绘制的演出海报。
罗杰·布洛德斯绘制的科西嘉岛卡尔维海滩的旅游海报。
罗杰·布洛德斯为夏蒙尼-马蒂尼峡谷火车旅游绘制的宣传海报。
查尔斯·盖斯玛（Charles Gesmar, 1900—1928）是20世纪初巴黎最著名的舞台服装和演出海报设计师，1900年5月出生在南锡的一个犹太人家庭里，从小就学习绘画。他虽然在风华正茂的时候（未满28岁）就不幸因肺炎去世，但是他留下的大量设计作品成为法国“装饰艺术”运动的重要成果。尤其是他为当时巴黎最走红的演艺女星斯平涅里（Spinelli）和米斯廷奎特（Mistinguett）设计的海报和服装，影响很大。盖斯玛的客户名单包括了几乎当时所有巴黎知名的演艺女星。这位才思敏捷的设计师，似乎有永远用不完的新点子，在他的手中，色彩也变得炽热多情。
盖斯玛的名声超出了巴黎，超出了法国，柏林、维也纳等地的剧院都邀请他设计舞台服装、布景和海报，在他短短的一生中，盖斯玛设计了超过1200套舞台服装、200件插图和平面设计作品，以及60多幅海报。
让·卡卢（Jean Carlu, 1900—1989）原来是学建筑的，18岁的时候，因车祸失去右手，于是他开始练习左手绘画，并很快掌握了熟练的美术技能。
他与A.M.卡桑德拉一样，对于欧洲的，特别是法国在第一次世界大战前后发展得非常迅速的现代艺术很感兴趣，亦注意到德国的“海报风格”设计特点，深感简单扼要在现代海报设计上的重要性和前卫性，并尝试把这些认识用于他的海报设计。他的设计不仅具有鲜明的“装饰艺术”运动特点，现代艺术运动和各种流行的视觉艺术运动风格也都在他的作品中得到综合运用，因此，他的作品广受欢迎。1931年，他为《名利场》杂志设计的封面，采用由简洁线条组成的象征性的男女头像，用色彩烘染出霓虹灯的效果，黑色的背景上有摩天大楼的灯光，表现了繁华的、醉生梦死的名利场的特色，很具代表性。他的简练、概括性和现代感均具有很大的感染力。
1940年，卡卢到美国为法国的情报服务部（the French In formation Service）举办“战争中的法国”（France at War）展览，这个展览在纽约的世界博览会（the New York World Fair, 1939—1940）举行，他的设计取得很大成功。但是，展览还没有结束，1940年6月14日，德寇占领了巴黎，卡卢于是决定留在美国工作。他在美国一共逗留了13年之久，其间创作了大量杰出的平面作品，特别是为盟军设计了大量海报，他把文字和图形交织在一起，融合成一个整体，交相辉映，非常有特色，是第二次世界大战期间最杰出的海报典型。
保罗·科林（Paul Colin, 1892—1989）原来是位业余美术爱好者，第一次世界大战期间，他被征入伍，在前线打仗，在战壕中遇到一个也在当兵的印刷出版家，出版家发现他对于设计很有天赋，因此问他战后愿不愿意到巴黎的香榭丽舍剧院（the Theatredes Champs-Elyseesin Paris）担任舞台设计和平面设计师。科林一口答应，战后，就立即去剧院上班，开始了他的设计生涯。科林正式开始从事平面设计是在1925年。他主要给剧院设计演出海报，其风格受到当时流行的立体主义和“装饰艺术”运动风格的影响，用简单的形式，概括地表现戏剧人物，戏剧的名称和主要演员名称都简单地放置在长方形海报的最上和最下面，很容易引起路人注意。他的人物是重叠的，尽量把几个不同的人物或者描绘的题材利用透明重叠方法综合为一体，提高结构上的整体性。布局上则采用倾斜方法，造成不太平衡和不太对称的安排，增加动感。科林工作非常勤奋，设计的数量相当大，他一生大约设计了超过1400张大型海报，同时还设计了大约800个舞台布景，是一位高产的平面设计师。
第二次世界大战爆发，科林设计了不少反法西斯的海报，一直到巴黎陷落。他在战后继续设计大量的商业海报和其他平面作品，直到1970年代才逐步因为年迈而停止设计。他是“图画现代主义”运动平面设计中最具有影响力的设计家之一。
罗杰·布洛德斯（Roger Broders, 1883—1953）是一位法国插图家、海报设计师。他最出名的作品是为法国旅游设计的海报，尤其是为法国南部黄金海岸地区的旅游景点设计的海报。
线条粗壮简练，山川海洋等背景有清晰的透视关系，色彩平涂，是布洛德斯的设计特点。他画上的人物总是身形高挑、服饰优雅、充满活力。海报上的字体粗壮有力，一目了然，并常常配有生动的口号。他的海报作品至今还可以见到。
罗伯特·法尔库西（Robert Falcucci, 1900—1989），出生在法国中部的沙托鲁，很小就开始学习绘画和设计。1923—1927年间，法尔库西曾经在雷诺汽车公司负责设计刊登在各种杂志上的汽车广告，并曾为时装大师保罗·布尔列特设计过广告和商店橱窗。他最为人称道的海报是为蒙地卡罗汽车大赛设计的宣传海报，画面上的汽车并不着意细节的精细准确，而是特别用一簇强劲的细线渲染出高速运行的速度感。再加上用色单纯、对比强烈，令人有身临其境、亲眼看到赛车从面前飞驰而去的感觉。
“装饰艺术”运动平面设计的另一位重要代表人是爱德华·考佛（Edward McKnight Kauffer, 1890—1954），他以前卫艺术风格的平面设计著称，尤其在海报设计方面非常突出，有“海报之王”（King of Poster）的美称。
考佛是美国人，出生在蒙大拿州，但他的职业生涯主要是在英国度过的。考佛小时候，家境困窘，父亲在他童年的时候弃家而逃，因此他读到小学八年级（相当于初中二年级）就不得不辍学，尚未成年就外出工作，来支持家用。16岁的时候，他来到旧金山，在一家印刷和书籍装订工厂当学徒，推销书籍。他利用晚上与周末的时间在加利福尼亚设计学校（The California School of Design）学习美术。在旧金山时期，考佛结识了当时在犹他大学任教的约瑟夫·麦克奈特（Joseph McKnight）教授，教授对他的努力 和才华高度赞赏，并决定资助他去芝加哥学习艺术，并提供路费让他去巴黎和欧洲进修。因而考佛在自己的名字中加入了这位教授的姓氏“麦克奈特”。
1913年，纽约举办了美国第一次欧洲现代艺术展——“军火库展览”（the Armory Show），虽然这个展览引起当时保守的美国舆论界一片大哗，纷纷对欧洲的立体主义艺术和未来主义艺术进行攻击与指责，但是，现代主义毕竟从此进入了美国，改变了美国艺术发展的途径。1913年的展览，在纽约结束之后，转到芝加哥展览，当时正在芝加哥艺术学院（The Art Institute）进修美术的考佛第一次看到欧洲最杰出的现代主义艺术作品，受到很大震动，决心到欧洲去了解真正的、最新的艺术。他先后访问了威尼斯、慕尼黑、巴黎，第一次世界大战的爆发，迫使他不得不迁移到伦敦。
考佛的平面设计生涯是从伦敦开始的，1919年他为英国重要的报纸《每日论坛报》（the Daily Herald ）设计的海报，得到英国设计界的一致好评。这张海报以黄色的纵向长方形为底，顶部是一群立体构成的黑白色的飞鸟，下面是报纸的名称和标题“早起的鸟儿”（Early Birds），构图简洁，主题鲜明，视觉效果强烈，并且具有立体主义影响下发展出来的新平面设计风格，充分展示了他从立体主义和未来主义艺术中汲取的营养和启发。
考佛最为人称道的作品包括为伦敦地铁系统（the London Undeground Transport）设计的140张大型海报，这些海报由地下铁路公司控制，为各种类型的商业客户做商业广告，张贴在地下铁路的入口、站台，影响非常大。这些海报具有他个人的鲜明风格：色彩鲜艳，图形大量采用几何形式，特别是明显地采用立体主义的形式特征来设计，而反映的内容也具有现代化的特色。比如大胆地采用现代风景、性感的女性人物作为题材，具有“装饰艺术”运动的基本特征。考佛将取自现代艺术的多种不同的视觉表达元素，合成为现代海报设计、平面设计的全新设计语汇，将现代艺术和平面设计结合起来，给当时的平面设计界造成很大影响，也使他成为所谓的“后立体主义图画现代主义”平面设计运动的主要代表人物之一。
约瑟夫·宾德为1939年纽约国际博览会设计的海报广受好评。
阿伯拉穆·盖姆斯1943年绘制的呼吁为士兵献血的宣传海报。
1942年爱德华·考佛为盟军绘制的宣传海报《希腊在战斗》。
1938年爱德华·考佛为英国空袭防护委员会ARP设计的宣传海报。
奥斯丁·库柏1924年为伦敦地下铁路设计的海报。
1924年，考佛出版了他的著作《海报的艺术》（Art of the Poster ），从历史脉络和美学发展的角度，界定了现代海报艺术，是现代平面设计重要的经典读物。
考佛在第二次世界大战期间回到美国，继续从事平面设计，并一直为美国航空公司（American Airlines）设计海报，直到他于1954年在美国去世。
奥斯丁·库柏（Austin Cooper, 1890—1964）也是英国“图画现代主义”平面设计运动中一位重要的设计师。
库柏的海报设计，完全采用立体主义的绘画语汇。他习惯把图形主题以立体和象征的方法重叠起来，构图类似早期的立体主义绘画，生动而具有现代感。他设计的南巴黎周末火车游海报，把凯旋门、卢浮宫的维纳斯塑像、咖啡和红酒等统统重叠起来，非常像立体主义绘画。这种方法，的确别开生面，时髦而不俗。1924年，他为伦敦地下铁路设计了一组海报，完全采用小方格的抽象合成，小方格从上到下杂乱安排，好像从上面落下一样。冬季的主打广告，色彩是从深蓝开始，依次从红色到橙色、黄色、白色渐变，最下面是标题：“下面更加暖和”（It is warmer down below），吸引大家在冬天乘用地铁；而夏季的主打广告色彩则正好相反，从黄、红、浅紫，向深蓝过渡，标题改为：“下面更加凉快”（It is cooler down below）。宣传效果非常好，又醒目，又传神，同时也开创了立体主义风格完全抽象的平面设计先例。
阿伯拉穆·盖姆斯（Abram Games, 1914—1996）是英国“图画现代主义”平面设计运动的最后一位代表人物。 他开始创作的时间是第二次世界大战爆发前夕。战前，他设计过一些儿童教育书籍和海报。在第二次世界大战期间，他创作了大量反法西斯的政治海报。他对于视觉传达在平面设计中的作用高度强调。他曾经说：“信息应该以最快、最生动的方式传达出去，这样才能够通过观众的下意识来吸引他们的兴趣……理性原则决定了设计的表现……当观众的眼睛被吸引住的时候，春天就绽放开来了。”（*1 ）
他在战争期间设计的作品都具有视觉传达高度准确的特点，比如他设计的宣传为士兵献血的海报，描绘了一个大手掌的轮廓，手中托着一个巨大的献血玻璃瓶，内里有一位冲锋陷阵的士兵，三个图形重叠，非常形象，标题也清晰：“如果他倒下了，只有你的血能够救他！”无论图形还是标题，都能够使观众一目了然知道海报诉求的目的，是现代海报设计的经典作品之一。
“图画现代主义”平面设计运动在欧洲其他国家也有所发展，并涌现出一些优秀的设计师，其中一位是奥地利的约瑟夫·宾德（Joseph Binder, 1898—1972）。
宾德于1922—1926年之间在维也纳应用美术学院跟随维也纳立体主义和“分离派”的大师莫瑟学习设计，从学生时代起，他就已经尝试把当时现代艺术和现代设计的各种因素综合起来，用到自己的设计中。他特别喜欢立体主义绘画，在设计中采用非常简单的立体手法，把复杂的人物主题分解为简单的几何图形，往往仅采用两三种颜色处理画面色彩，简单、概括，具有鲜明的“装饰艺术”运动和立体主义风格特征，是“图画现代主义”平面设计在奥地利最杰出的代表。他为1924年维也纳音乐和戏剧节（Musikund Theaterfest, Der Stard Wien, 1924）设计的海报是其代表作之一：上面有两个吹号的艺人，完全用立体主义的方法分解组合成为三角形，简单明快，且主题清晰。这张作品成为“装饰艺术”运动在奥地利发展的里程碑，在奥地利的设计史上具有重要的地位。
1921年爱德华·考佛为伦敦地铁绘制的海报《冬季大减价，乘坐地铁能最快抵达》。
奥斯丁·库柏创作的南巴黎周末火车游海报。
阿伯拉穆·盖姆斯1939年为英军医务机关招募义工绘制的海报。
约瑟夫·宾德为1924年维也纳音乐和戏剧节创作的宣传海报。
1935年宾德移民到美国，在纽约开设自己的设计事务所。他为纽约国际博览会设计的海报广受好评，从此开始了在美国的设计生涯。由于他开始使用喷笔完稿，因此很多以前利用画笔处理的细节必须适应新的工具而改变。他逐步放弃写实技巧，采用简练和象征的图形来设计海报。他在设计海报的时候，有意识地采用立体主义、象征主义、未来主义的表现手法，明确地把欧洲现代艺术和现代设计的成果应用到平面设计中来。第二次世界大战期间为国防部设计海报，鼓舞士气，这个时期设计的一系列征兵海报，是他最杰出的一部分作品；战后为联合国、美国红十字会设计各种海报，风格日益简明、强烈。与此同时，他还设计了大量的商业广告。他所具有的强烈的欧洲现代主义艺术设计风格，在美国非常引人注目，影响很大。
美国的“装饰艺术”平面设计，受欧洲的影响很深。尤其是1920—1930年代，不少欧洲的设计师移民美国，或者与美国的出版公司建立合作关系（如前文中提及的A.M.卡桑德拉、让·卡卢、约瑟夫·宾德等人都曾在美国工作过很长时间），对这段时期美国的平面设计影响很大。艾蒂（Erte，原名罗曼·德·提托夫：Romain de Tirtoff, 1892—1990）、梅赫美德·佛米·亚加（Mehemed Fehmy Agha, 1896—1978）和亚历克塞·布罗多维奇（Alexey Brodovich, 1898—1971）三位设计师，都出生在俄国，也都在法国接受设计教育和从事设计，他们直接将当时欧洲平面设计的新潮流带入美国，推动了美国现代平面设计的发展。
艾蒂（Erte, 1892—1990）出生在圣彼得堡，是一位海军将领的儿子。他在巴黎学习美术和设计，很快成为以“装饰艺术”风格为主的插图画家和平面设计家。由于他的插图和设计具有国际声誉，因此，从1924—1937年期间， 他与美国著名的刊物《哈伯市场》（Harper Bazaar ）签订了负责设计所有封面的合同。他采用了混合“装饰艺术”风格、立体主义风格和现代主义设计风格，设计出非常具有个人特色的封面来，得到美国读者广泛的喜爱。他是在美国的平面设计中奠立“装饰艺术”风格基础的最重要人物。
梅赫美德·佛米·亚加（Mehemed Fehmy Agha, 1896—1978）的父母都是土耳其人，他在乌克兰出生。早年在乌克兰首府基辅学习艺术，后来到巴黎从事平面设计工作，之后又迁居柏林，开设了自己的平面设计事务所。在柏林，亚加的设计才华，得到美国出版商康德·纳斯特（Conde Nast）的赏识，从而获得在纽约主持《时髦》（Vogue ）杂志设计的工作。亚加到美国以后成绩卓著，他同时又主持了《名利场》（Vanity Fair ）、《家庭和园林》（Houseand Garden ）等刊物的设计工作，一改杂志原来的刻板、保守风格，全部采用无装饰线体，大量采用摄影作为插图。他不但首先将彩色照片应用在杂志上，甚至还大胆地将流血场面的照片也放在版面上。亚加在版面的编排上，采用留白空间、非对称性版面等手法，使这几份刊物面目一新，具有了强烈的现代感。
亚加为人风趣、文雅，非常有品位。对于美，他具有一种超凡的敏锐，总能够冲破一大堆陈腐、过时的概念，创造出一种新的逻辑、新的优雅来。
1943年康德·纳斯特去世以后，亚加离开了出版界，成为一位非常成功的设计顾问。他曾在1953—1955年间担任美国平面设计协会AIGA（American Institute of Graphic Arts）的主席，他令美国杂志的设计焕然一新，并确立了设计师和艺术指导（Art Director）在出版界的专业地位。
亚历克塞·布罗多维奇（Alexey Brodovich, 1898—1971）曾经当过沙皇的骑兵，第一次世界大战后移居巴黎，通过自己的努力，成为巴黎最杰出的平面设计家之一。1930年他移民美国，从此开始了他漫长的在美国的平面设计生涯。布罗多维奇从1934—1958年，一直担任《哈伯市场》杂志的艺术指导，负责杂志的整体设计。他在平面设计上讲究韵律，讲究非对称的均衡与和谐感，讲究文字和图形编排的流畅。他在设计中大量使用空白版面和摄影插图，特别强调色彩、空间、粗细、黑白等平面因素的对比关系，形成自己独特的风格。他在插图、版面设计和摄影上大量起用欧洲设计家和艺术家，其中包括大名鼎鼎的卡桑德拉、萨尔瓦多·达利、曼·雷、亨利·卡蒂尔-布里逊（Henri Cartier-Bresson）等人，是把欧洲现代平面设计介绍到美国的重要人物。
艾蒂1920年代为巴黎歌舞演出绘制的宣传海报。
威廉·德威金斯1929年设计的都市黑体二号字体。
威廉·德威金斯为诺夫出版公司设计的《时间机器》一书封面。
雷斯特·比尔1937—1941年间为REA设计的农村电气化海报。
雷斯特·比尔1937—1941年间为REA设计的农村电气化海报。
在1920年代以前，美国的平面设计仍是相当保守的，海报、广告上占主导地位的仍是维多利亚风格或“新艺术”风格的插图。1925年的巴黎国际展览，给了美国设计界很大的震撼，随后在纽约大都会艺术博物馆主办的“工业美术年展”上，美国主流社会首次表示了对于“装饰艺术”风格等现代流派的兴趣。美国当时的主流杂志，如《幸运》（Fortune ）、《名利场》（Vanity Fair ）、《哈伯市场》（Harper Bazaar ）等，在封面设计、版面编排等方面也开始采用新的、现代的设计语汇，对社会大众产生很大影响，有力地推动了“装饰艺术”风格的平面设计在美国的发展。另外一个重要的影响因素来自美国大城市的大型百货公司，由于民众对“装饰艺术”有了认同，认为那是现代、新潮、时髦的代表，因而各大百货公司在橱窗设计、促销宣传品的设计上，都纷纷采用了“装饰艺术”风格，并雇用“装饰艺术”风格的设计师。到了1930年代，“装饰艺术”风格在美国的平面设计中成为主流。一批优秀的平面设计师，开始崭露头角。
威廉·德威金斯（William Addison Dwiggins, 1880—1956）在1922年首次提出用“平面设计”（Graphic Design） 这个英文名称来涵括书籍装帧、插图、印刷、字体等方面的设计活动，他一生从事书籍设计、广告设计、字体设计，是一位很具影响力的美国现代平面先行者和改革者。
德威金斯1880年出生在美国俄亥俄州的马丁斯维尔市，曾在芝加哥艺术学院学习。职业生涯的初期，曾从事过广告的设计。他将自己在插图和字体方面的才华，应用到书籍装帧上去。1926年开始与出版商阿尔佛雷德·诺夫（AlfredA.Knopf）合作，从事书籍设计。他对于书籍的设计非常讲究，努力将精美的手工艺与现代书籍设计结合起来。他对封面设计、插图编排、字体选择都精心计划，书籍中的文字部分全部采用两栏，具有非常鲜明的现代特色，他的设计使诺夫出版社出版的“诺夫书籍”成为美国最精美的书籍之一。由于诺夫出版公司是美国当时相当有影响的一家出版社，因此，他的设计得到美国人的广泛接触，极大地提高了美国公众对于书籍设计的兴趣和重视，促进了1920—1930年代美国书籍出版业的市场销售。同时，通过这个渠道也使得美国大众逐步熟悉和认可了欧洲现代主义设计风格。
德威金斯在采用“未来体”（Futura）和“卡别尔体”（Kabel）等来自欧洲的无装饰线字体时，发现这些字体的大写用在标题时，效果不错，但是文本内容用小写字体印出的时候，效果并不好。于是他专门为里诺字体公司设计了一套具有“汽车时代”风貌的字体：1929年设计的“都市黑体二号”字体（Metroblack No. 2），以及后来相继设计的“都市中等2号”（Metromedium No. 2）、“都市瘦体2号”（Metrothin No 2）等。他设计的“伊列克特拉”（Electra）字体和“卡列多尼亚”（Caledonia）字体，成为当时美国应用最广的印刷字体。
威廉·德威金斯曾在1928年出版了他的《广告的版面设计》（Layout in Advertising ）一书，至今仍是广告设计方面的权威著作。
艾蒂为1923年1月号的《哈伯市场》杂志绘制的封面。
亚加设计的1930年1月号《名利场》杂志封面。
亚加1934年为《名利场》杂志设计的8月号封面。
亚历克塞·布罗多维奇设计的《哈伯市场》杂志1944年10月号封面。
亚历克塞·布罗多维奇为《哈伯市场》杂志设计的版面。
雷斯特·比尔（Lester Beall, 1903—1969）是堪萨斯人，1926年在芝加哥大学学习艺术史，同时还在芝加哥艺术学院修课。毕业后，在芝加哥从事设计工作。美国1929—1933年经历了经济大危机，在这个期间，他努力探索一种简单、明确、鲜明的平面设计形式，来协助危机中的企业推销自己的产品。他对于奇措德（Jan Tschichold, 1902—1974）的平面风格、对于达达主义把平面要素进行随意混合和拼合都有很深刻的理解，他对于美国19世纪的木刻画也具有强烈的兴趣，因此，在他的探索中，他努力地把这些因素都结合起来，形成自己独特的平面设计风格。在他设计的海报之中，可以看出他明显地追求强烈对比、准确的视觉传达功能和鲜明的主题性的设计特点。1936年，比尔在康涅狄格州的威尔顿定居、开业，从事平面设计，特别是广告设计。1937年，他为联邦政府的农村电力化管理局（the Rural Electrification Administration，简称REA）设计宣传农村电力化的海报，采用了现代的纵横编排方式，加上无装饰线字体和达达主义方式的拼合版面，具有非常强烈的现代主义特色，使美国人耳目一新。他在这个时期设计的大量海报，成为美国最早的现代主义平面设计代表作。
奥提斯·谢帕德（Otis Shepard, 1893—1969）是一位美国的广告设计师，他曾经专程去维也纳师从约瑟夫·宾德，学习广告和海报设计的技法。他在1932—1963年间担任莱特利口香糖（Wrigley-Spearmint Gum）的艺术部主任达30年之久，为这家公司设计的口香糖广告在美国几乎称得上“家喻户晓”，脍炙人口。谢帕德擅长使用喷笔作画，他的构图简洁，背景通常采用没有细节的色块，或是干脆留白，从而突出广告的主体形象。谢帕德认为：作为一个广告设计者，你的画面应该能让所有观众一目了然，无论他是属于哪个阶层的。因而，他的海报大多画面清晰，色彩 亮丽，主题鲜明，毫不晦涩，总是洋溢着一种欢乐的情绪，因此很受民众喜爱。因为莱特利口香糖的老板同时还拥有芝加哥小熊棒球队，所以谢帕德的作品中也有不少非常生动的棒球海报。
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五、“装饰艺术”风格的产品设计和著名的设计师</h2>
“装饰艺术”设计始于欧洲，但在美国发展得最为普遍。虽然在装饰的风格上基本类似，但是欧洲和美国的“装饰艺术”运动的本质有很大的差异。欧洲，尤其是法国的“装饰艺术”设计，延续了“新艺术”的传统，其目标市场依然是针对富裕的小众消费者；而美国的“装饰艺术”运动则从一开始就以中产阶级为主要目标市场，走工业化大批量生产的道路，因此是一种大众消费的设计。有些欧洲的设计师到美国之后也从服务小众转移到服务中产大众，没有转移目标市场的一批设计师就集中在设计奢华的家具、室内、首饰上。
第一次世界大战以前，法国设计师们已经感受到奥地利、德国在设计和制造方面强大的竞争力，意识到必须振兴设计，以确保法国自18世纪以来就拥有的在奢华产品贸易方面的霸主地位。他们的努力，得到法国政府的大力支持。早在1912年，法国政府就通过了一个法案，资助举办一次大型的装饰艺术国际博览会，以推广和巩固法国在高档产品设计方面出类拔萃的领先地位。该展览原定在1915年举行，但由于第一次世界大战爆发，因而推迟到1925年才开幕。
1925年在巴黎举办的“国际现代装饰和工业艺术展”，引起了巨大的反响。不仅宣示了法国在奢华产品方面的绝对优势，也获得了很大的商业成功。尤其重要的是，显示了“装饰艺术”风格已经成为一种成熟的国际流行风格，使这一设计运动在世界范围内得到极大的推广。
索尼娅·德劳内1913年设计的『巨书』屏风。
毛里斯·迪佛雷纳1930年代设计的家具。
两位模特儿身穿索尼娅·德劳内设计的服装站在由索尼娅装饰的雪铁龙B12型汽车旁合影，1925。
索尼娅·德劳内1925年绘制的时装效果图。
毛里斯·迪佛雷纳等法国设计师的室内设计，在1937年的巴黎世界博览会上展出。
“装饰艺术”运动在1920年代、1930年代的欧美发展得如火如荼，成为主流风格，并且影响到其他地区，中国的几个沿海大城市、澳大利亚悉尼和墨尔本也都有类似的设计运动，人才辈出。在世界范围内，出现了一批具有影响力的“装饰艺术”设计师。
埃米尔-雅可布·鲁赫曼（Jacques-Emile Ruhlmann, 1879—1933）是欧洲最有影响力的“装饰艺术”风格设计师。
鲁赫曼出生在巴黎，父亲是一位装饰工艺匠人。1907年父亲去世后，年轻的鲁赫曼便主管了家族的装饰生意，他的设计作品曾在1910年的巴黎秋季沙龙上展出。
1919年，鲁赫曼成立了自己的室内设计事务所，设计和生产豪华的室内用品——家具、灯具、地毯、壁挂、墙纸、坐垫、纺织品等等。他喜欢采用一些昂贵的异域木料，配以象牙、黄金的镶嵌，以营造一种经典的永恒的形象。他的家具以简明的线条和精良的装饰工艺著称。
1925年的巴黎“国际现代装饰和工业艺术展”上，鲁赫曼不但参加了法国装饰产品的主展厅“法国大使”沙龙的设计，并且还单独设计了专门展出室内装饰产品的展厅“收藏家酒店”（L'Hotel du Collectionneur），充分体现了他在法国“装饰艺术”运动中的重要地位。
索尼娅·德劳内（Sonia Delaunay, 1885—1979），是一位法国犹太艺术家。她出生于乌克兰，1903年在德国学习艺术，1905年移居巴黎的时候已经是一个艺术家了。她在1910年嫁给了未来主义、立体主义画家罗伯特·德劳内（Robert Delaunay, 1885—1941）。起初，索尼娅主要从事具有“装饰艺术”风格的书籍、刺绣，同时从事自己的抽象绘画创作。
1913年，索尼娅依据瑞士诗人布莱斯·辛德拉尔斯（Blaise Cendrars, 1887—1961）的一首关于西伯利亚大铁路旅行的诗作（La prose du Transsibérien et de la Petite Jehanne de France ），创作成一本长达2米多的大书，将文字和抽象的色块穿插在一起，全书可像手风琴那样折叠起来，就像一个巨大的屏风。这本“巨书”在巴黎艺术圈里引起很大的轰动，后来又在柏林的秋季沙龙上展出。从此，索尼娅在设计界开始崭露头角，而这种鲜艳的抽象的大色块亦由此成为她的品牌象征。
第一次世界大战期间，索尼娅和她的丈夫浪迹欧洲多国，先后在西班牙、葡萄牙等地生活。1917年，她在马德里结识了俄国芭蕾舞团的创始人谢尔盖·迪亚吉列夫，并为芭蕾舞团设计了舞台服装，由此开始了她的服装设计生涯。在马德里，索尼娅还投入了一些室内设计项目，取得成功。她和丈夫还先后在柏林、斯德哥尔摩举办过绘画和设计作品展览。
1921年，索尼娅夫妇搬回巴黎，开始为一些私人客户和朋友设计服装。1923年，索尼娅为里昂一家厂商用立体主义手法设计了50多种纺织品，随后，她成立了自己的设计事务所“同时工作室”（Atelier Simultane），并以“同时”（Simultane）作为自己的品牌。在1925年的巴黎国际展览会上，索尼娅设立了一个专柜“同时精品店”（The Boutique Simultanee），销售自己设计的时装、纺织品、家具和室内装饰品，她还被邀请到巴黎大学以“绘画对于时装的影响”为题举办讲座。1930年代之后，索尼娅的设计更多地集中于公共艺术、广告设计上。1937年的巴黎世博会上，她再次展出自己的一系列大型屏风。
毛里斯·迪佛雷纳（Maurice Dufrene, 1876—1955）是法国“装饰艺术家协会”（the Societe des Artistes Decorateurs）的创始人之一。他出生在巴黎，入读巴黎高等装饰艺术学校（Ecole des Arts Decoratifs）。
奥提斯·谢帕德1930年代为莱特利口香糖推出的双倍薄荷口香糖创作的宣传海报。
鲁赫曼1920年代设计的吊灯。
鲁赫曼1925年设计的梳妆台椅。
鲁赫曼在1925年法国国际大展上设计的收藏家酒店室内一角。
奥提斯·谢帕德1941年为芝加哥小熊棒球队设计的积分卡。
迪佛雷纳大约在1900年开始设计产品，当时他的设计风格还是“新艺术”类型的，作品在现代主义之家（La Maison Moderne）展销。从1903年开始，他的作品就经常在秋季艺术沙龙和国家艺术沙龙展出。
到1910年代，迪佛雷纳的设计日显简练，出现了“装饰艺术”风格特征。1921年，他参加了“大师工作室”（the studio La Maitrise），并担任设计总监，完成了许多家具、室内设计，他善于从18世纪、19世纪的传统装饰语汇中提炼出适合现代设计需要的素材来，使得他的设计具有时尚而现代的特点。
在1925年的巴黎博览会上，迪佛雷纳几乎是无处不在：除了“大师工作室”的展厅之外，他还参与设计和装饰了名为“法国大使”（the "Ambassade Francaise"）的小沙龙式精品店，并在其中展销自己设计的产品。
进入1930年代，迪佛雷纳更加忙碌了，他的设计变得更加实用，注重批量化生产，更多地采用钢铁、玻璃等工业材料，逐渐趋向于现代主义风格。
安德烈·里昂·阿布斯（Andre Leon Arbus, 1903—1969）是法国的家具企业家和设计师，在巴黎艺术学院（the Ecole des Beaux Arts）毕业后，到他父亲设在法国图卢兹（Toulouse）的家具工厂工作，不久成为工厂主管。他一改这家公司一直沿用的18世纪传统式样，起初设计法国“帝国风格”的家具，后来再逐步转向比较奢华的“装饰艺术”风格。他自己从事家具的设计，棱角分明，喜欢用昂贵的皮革包裹、金属构件镀金处理，风格豪华。从1926年开始，阿布斯每年都参加巴黎沙龙展出，1930年更干脆把家具厂迁去了巴黎。他的设计曾在1935年的布鲁塞尔世博会（the great International Exhibitions in Brussels）、1937年的巴黎世博会、1939年的纽约世博会上获得布鲁曼黛尔（the Prix Blumenthal）设计大奖。
让·杜南（Jean Dunand, 1877—1942）出生在瑞士的兰茜市（Lancy），14岁便入读日内瓦的工业美术学校学习雕塑，1897年到法国国立美术学院学习室内设计。起初，他着重尝试应用金属材料制作装饰雕塑作品，他的作品经常在秋季沙龙、国家沙龙等场合展出。1912年开始，杜南经爱尔兰设计师艾琳·格雷的介绍，跟随日本漆器艺人菅原诚三（Seizo Sugawara, 1884—1937）学习日本的传统漆器工艺，后来还成立了一个工作室，专门设计和生产漆器产品，并从印度进口东方艺术品和工艺品。他曾为1925年巴黎博览会的“法国大使”沙龙设计了吸烟厅，并为法国的三艘大邮轮“法国岛号”（the lle de France, 1928）、“亚特兰大号”（the Atlantique, 1931）、“诺曼底号”（the Normandie, 1935）设计了室内和家具，成为当时豪华室内设计的典范。
尤其是杜南在那些尺寸很大的漆器屏风和髹漆家具的设计中，成功地将东方的漆器艺术与欧洲的装饰艺术结合起来，并且将髹漆技术的应用推广到金属材料上去，获得很大成功。例如他在1930年设计的大型四页漆器屏风“狩猎”（La Chasse），就综合采用了多种技法：在第一块屏风上，用阴刻手法，刻画出小型昆虫；而在狗和马的身上，以及猎手的马裤上，则施用压碎的蛋壳做装饰；在树叶的细节上涂以金粉，提高亮度，突出装饰效果，增强总体上的豪华感觉，从而成就了一幅“装饰艺术”风格的经典之作。
让·普依佛卡特（Jean Puiforcat, 1897—1945），法国雕塑家、设计师，他是法国最重要的“装饰艺术”风格银器艺人，是1928年成立的“现代艺术联盟”（the Union des Artistes Modernes）的创始人之一。
他设计的银器，具有平滑的表面和规整的几何形状，通常会加上一些象牙、缟玛瑙、天青石、花梨木等作为点缀，或采用镀金工艺，加强装饰效果。他设计的银质茶具和咖啡具尤其出色。
1943年，让·普依佛卡特为了躲避战乱，迁居墨西哥，他与当地的艺术家多有交流，这一时期设计的银器亦受到玛雅文化的影响。
利涅·拉里克（Rene Lalique, 1860—1945）是一位著名的法国设计师。在“新艺术”运动时期，他曾设计过许多非常精彩的首饰。到1920年代，他转向了“装饰艺术”风格的玻璃器皿设计。法国著名的豪华邮轮“诺曼底号”上的主餐厅和大沙龙就采用了他设计的轻质玻璃壁饰和彩色玻璃立柱作为装饰。
当然，利涅·拉里克对于自然的花卉、植物和曲线的装饰动机，仍然抱有一份难以舍弃的热情。在他的不少玻璃器皿设计中，人们还是可以感受到“新艺术”风格的影响。
艾琳·格雷（Kathleen Eileen Moray Gray, 1878—1976），出生在爱尔兰的女设计师，她的设计生涯主要在法国度过。格雷的父亲是一位画家，从小就鼓励女儿向艺术方面发展。1898年，格雷入读伦敦的斯莱德美术学校（Slade School of Fine Art）学习绘画，后来移居巴黎，继续她在艺术方面的学习。1906年，她结识了旅居巴黎的日本漆艺大师菅原诚三，向他学习传统的日本装饰漆器工艺，历时四年。1913年，她在巴黎展出了自己的漆器作品，获得很大成功。
第一次世界大战之后，格雷在巴黎获得洛塔路上（Rue de Lota, Paris）一个公寓室内装修项目，她设计了绝大部分家具、地毯和灯具，并在墙上装置了装饰性的漆器屏风。她的创意和才华受到巴黎艺术评论界的好评，尤其是她所设计的必比登椅子（Bibendum Chair），被当时巴黎的报纸杂志广为报道，称之为“现代生活的胜利”（Triumph of modern living）。此后，格雷开设了自己的小画廊，展览和销售她自己以及她的一些艺术界朋友的作品。
1924年，在罗马尼亚建筑师让·巴多维奇（Jean Badovici, 1893—1956）的推动之下，格雷开始转向建筑设计。她的一些作品，如法国南部的E-1027住宅，以及1937年她为勒·柯布西耶在巴黎博览会的展厅设计的“节日中心”，都成为经典之作。
在“装饰艺术”运动中有着重要影响的法国设计师还有埃德加·布兰德特、让·罗斯契尔德（Jean Rothschild, 1902—1998）、利涅·赫伯特（Rene Herbst, 1891—1982）等人，确实是人才济济，实力雄厚。
“装饰艺术”运动源起法国，但是很快就扩展到许多欧洲国家，并涌现出一批优秀的设计师和杰出的设计作品。
克拉莱斯·克里夫（Clarice Cliff, 1899—1972）是一位英国女工业设计师，出生于英国屯斯托（Tunstall, Stoke-on-Trent），13岁开始做镶嵌工学徒，从1916年开始为沃金逊公司（A.J.Wilkinson Ltd）设计日用陶瓷，1927年在皇家艺术学院（the RCA in London）毕业，回到沃金逊公司，并在1929年设计出著名的“装饰艺术”风格的大套陶瓷餐具“比扎”（"Bizzare" wares）。她设计的套餐具色彩强烈，图案采用典型的“装饰艺术”风格，大部分设计是她自己手绘的颇具创意的几何图案，甚至连器型都是用三维的几何体叠加、组合而成，在当时是非常前卫的设计，清新脱俗，因而脱颖而出。她设计的好几套重要的陶瓷作品，全都成为“装饰艺术”风格陶瓷的经典作品，将“装饰艺术”风格在整个陶瓷行业中推广开来。可惜的是她从1940年起，逐渐离开了设计工作，主要投入沃金逊公司的日常管理事务中去了。
苏西·库帕（Susie Cooper，原名：Susan Vera Cooper, 1902—1995）也是英国“装饰艺术”风格陶瓷设计中举足轻重的设计家之一。她出生于斯坦菲尔德（Stanfields, Stoke-on-Trent），从小对绘画有兴趣。家里孩子多，她是在 夜校开始学文化的。她起初期望成为一个时装设计师，通过反复的探索，在1922年投入陶瓷设计，找到了自己的发展方向，进入英国瓷厂格雷公司（A. E. Gray & Co.）做设计，同时去皇家艺术学院（the Royal College of Art.）学习，学以致用，她的设计很快就得到提高。格雷公司的老板爱德华·格雷（A. Edward Gray, 1871—1959）发现了她在绘画、设计上的天赋，鼓励她走出自己的道路来。苏西开始用手绘装饰陶瓷，并且动手设计自己的陶瓷作品。1923年格雷公司推出了她设计的“葛洛丽亚·虹彩瓷系列”（the Gloria Lustre Range），苏西的天赋得到发挥。她的作品设计集中在“装饰艺术”风格上：图案具有鲜明的几何特点，色彩对比强烈，陶瓷餐具器型相当独特，深受当时英国中产阶级市场的欢迎。1929年，她成立了自己的工作室（atelier），后来更名为苏西·库帕陶瓷工作坊（Susie Cooper Potteries），生产她设计的早餐具系列，因为设计时髦新潮，很受欢迎。她的作品参加了1922年的英国工业展销会（the 1922 British Industries Fair），获得很大成功。
克拉莱斯·克里夫1929年设计的『比扎』大套陶瓷餐具中的奶壶。
克拉莱斯·克里夫1930年代设计的陶瓷咖啡具，是经典的『装饰艺术』风格陶瓷作品。
利涅·拉里克1927年设计的玻璃花瓶，依然采用叶蔓为装饰动机，但已明显带有『装饰艺术』风格的特征。
法国设计师阿布斯设计的小柜。
让·杜南1913年设计的镍黄铜-黑檀木咖啡具。
英国设计师克拉莱斯·克里夫1930年设计的陶瓷咖啡壶和花瓶，以手绘的几何化的树木和水果作为装饰，色彩鲜艳明快。
法国银器设计师让·普依佛卡特1930年设计的纯银咖啡具。
法国设计师阿布斯设计的壁灯。
让·杜南1930年设计的大型四页漆器屏风『狩猎』。
艾琳·格雷设计的必比登椅子。
利涅·拉里克1930年代设计的玻璃碗。
让·杜南1921年设计的漆器家具。
法国著名『装饰艺术』风格铁艺大师埃德加·布兰德特1920年代设计的金属屏风。
法国设计师利涅·赫伯特1929年设计的吊灯。
法国设计师让·罗斯契尔德1934年为豪华邮轮『诺曼底号』的大客厅设计的椅子。
艾琳·格雷1925年设计的多抽屉小柜。
让·杜南1932年为巴黎一位艺术模特儿设计的漆器床，以珍珠贝镶嵌的荷塘和金鱼作为装饰。
让·普依佛卡特1943年在墨西哥设计的银质咖啡具。
让·杜南为法国豪华邮船『诺曼底号』设计的客房装饰。
在苏西几十年的设计生涯中，曾与多个瓷厂合作，其中包括韦其伍德（Wedgwood）公司。苏西曾于1940年获得英国工艺局（the Royal Society of Arts）颁发的皇家工业设计奖（the Royal Designer for Industry），她的设计作品深得英国女皇伊丽莎白的母亲喜爱。苏西去世之后，她的作品成为收藏家竞相追逐的经典作品。
苏西·库帕设计的『葛洛丽亚·虹彩瓷系列』咖啡具，明显受到立体主义的影响。
约翰·罗德设计的带座银碗，1935年由米切尔森公司（Michelsen）出品。
约翰·罗德1925年为乔治·杰生公司设计的糖盅和小勺。
约翰·罗德1933—1937年间设计的银质水壶。
约瑟夫·戈达尔1913年设计的吊灯。
瑞典玻璃艺术家爱德华·哈尔德1919年设计的玻璃碗碟『女孩和球』。
谢尔盖·谢马耶夫（Serge Ivan Chermayeff，原名：Sergius Ivanovich Issakovitch, 1900—1996）在俄国出生，1910年到英国哈罗公学（Harrow）读书，曾担任过一些杂志的编辑和记者，同时还在欧洲多所学校学习艺术和建筑。1924年他担任英国威廉装饰有限公司（E.Williams Ltd.）的设计总监。他的设计一方面有严谨的现代主义概念和架构，但是同时又多了一份精致的人情味，在当时非常突出。 1930年代初期，他加入了德国设计师埃里奇·孟德尔松（Erich Mendelsohn, 1887—1953）的MARS设计事务所，在那里完成了自己著名的现代主义经典作品：海滨的德拉沃尔廊（The De La Warr Pavilion in Bexhill on Sea）。他在英国首先用钢管设计家具，并且由英国的PEL公司生产；还为艾柯公司（Ecko）设计收音机，都有强烈的现代主义和“装饰艺术”的风格特点。他于1940年移民美国。
爱德华·哈尔德（Edward Hald, 1883—1980）是瑞典的画家和玻璃艺术家。
1883年出生于斯德哥尔摩，哈尔德先后在德国的德累斯顿、丹麦的哥本哈根、法国的巴黎求学，对艺术、建筑和设计都有广泛的涉猎。
1917年，哈尔德加入了瑞典最负盛名的玻璃厂家——奥利佛斯公司（Orrefors），在那里学习和掌握了艺术玻璃的制作技巧，设计出一些著名的玻璃艺术品来，例如1919年设计的“女孩和球”玻璃碗盘（Girls Playing with Ball, bowl and plate）、1921年的“焰火”（Fireworks Vase）、1937年的鱼缸（Fish Graal）等，都成为“装饰艺术”运动中的经典作品。
约翰·罗德（Johan Rohde, 1856—1935）是一位丹麦画家和设计师，他是1891年成立的丹麦艺术家组织——“自由展览同盟”（Den Frie Udstilling）的主要创始人，在丹麦现代艺术的发展史上一直扮演重要角色。
约翰·罗德同时也是一位杰出的银器设计师，他为国际知名的丹麦银制品公司乔治·杰森（Georg Jensen）设计的餐具、茶具等银器，器型优美，表面光洁可人，把手的线条尤其精巧流畅。他对于装饰的把握非常谨慎、内敛，绝不滥用，一旦施用，则异常精致，成为北欧“艺术装饰”风格设计精品。
约瑟夫·戈达尔（Josef Gočár, 1880—1945）是捷克重要的现代建筑家，也是“装饰艺术”风格的主要推手，他是1912年成立的布拉格艺术工作坊（Prague Artistic Workshops）的创始人之一。