位于巴黎雷奥米尔街61~63号的一栋『新艺术』风格建筑。
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一、“装饰艺术”运动的概况</h2>
进入1920年代，西方社会从第一次世界大战的硝烟中重新站立起来，整个社会的气氛是乐观的。战争的梦魇已经过去，爵士音乐大行其道，妇女开始拥有投票权，消闲旅游日益大众化，体育运动和阳光晒成的古铜色肤色成为新的时尚，摩天大楼、现代化交通系统的发展快得令人目瞪口呆，人们重新对未来充满希望，宣泄着嬉闹、奢华、自由的情绪。机械化时代里，日新月异、价格实惠的家用器具大批量地生产出来，新的技术大大提高了民众的生活质量。收音机进入千家万户，报纸杂志等平面媒体将世界各地的消息迅速传送，使人们对世界和社会的认识发生了很大变化，对生活质量的要求更加提高了。欧洲各国经济普遍繁荣，美国经济更是高速发展，形成了新的市场，为新的设计和艺术风格提供了生存和发展的机会。正是在这样的历史条件下，产生了20世纪初期一场重要的设计运动——“装饰艺术”运动（Art Deco）。
当时，欧美一批艺术家和设计师已经敏锐地认识到新时代的必然性，他们不再回避机械形式，也不拒绝新的材料（比如钢铁、玻璃等）。他们以批判的眼光对之前发生的英国的“工艺美术”运动和产生于法国、影响到西方各国的“新艺术”运动加以反省，认为二者的致命缺陷，在于对现代化和工业化形式、工业化生产方式，以及工业材料的偏颇否定。时代已经不同了，现代化和工业化生产已经无可阻挡。摆在设计师面前的任务是寻求一种与过去时代不同的设计和装饰语汇，以适应新的时代和新的生活方式的要求。采用新的装饰构思使机械形式及现代特征变得更加自然和优雅，成为一条新的探索途径。这种认识，普遍存在于法国、英国、美国，以及欧洲其他一些地区部分设计家之中。
“装饰艺术”兴起于1920年代，退潮于1930年代的大萧 条，是20世纪里延续时间比较长的一次设计运动。其名称出自1925年在巴黎举办的“国际现代装饰和工业艺术展”（the Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes）。该展览旨在展示“新艺术”运动之后的新建筑与新装饰风格。该展览的名称，后来就被用于专指一种特别的设计风格和一个特定的设计发展阶段。但是，“装饰艺术”这一术语，其内容并不仅是一种单纯的设计风格。和“新艺术”运动一样，它包括的范围相当广泛，从1920年代的色彩鲜艳的所谓“爵士”图案（Jazz Patterns），到1930年代的流线型设计式样，从简单的英国化妆品包装到美国纽约洛克菲勒中心的建筑群，都是属于这场运动的。它们之间虽有共性，但是个性更加强烈，因此，把“装饰艺术”单纯看作一种统一的设计风格显然是不恰当的。
“装饰艺术”运动，影响了几乎所有的设计领域：包括纯艺术、装饰艺术、时装、电影、摄影、平面设计、交通工具和工业产品的设计等等，成为一种几乎无处不在的现代风格。
在欧洲，“装饰艺术”运动的发展，主要集中在奢华消费产品的设计与艺术品的创作上，比如家具、纺织品、金属制品、玻璃器皿、陶瓷、装饰雕塑、绘画、平面设计与海报、首饰设计等等。而当这种风格传入美国后，却很快延伸到建筑设计、室内设计、火车站、电影院等规模更加宏大的公众性质的项目上，以及汽车、火车、游轮等交通工具，收音机、电话、自动唱机，以及吸尘器、电冰箱等家用电器、厨房用具，以及许多大众日常用品的设计中。从纽约开始，逐步波及中西部和西海岸地区，对1920和1930年代的美国设计，包括汽车设计、工业产品设计、平面设计、舞台设计、电影设计等，都产生了巨大的影响。
“装饰艺术”运动是一场国际性设计运动，不少欧美国家都参与其中，尤以法国、英国和美国的设计运动较具代表性。它甚至还影响到欧美以外的一些国家，在拉丁美洲、澳大利亚、中国的上海都有过相当大的影响，出现了一批非常精彩的这种风格的建筑物。
位于洛杉矶市中心的东哥伦比亚大楼，是一栋典型的『装饰艺术』风格建筑。
位于纽约帕克大道上的西格莱姆大楼，是现代主义建筑大师密斯的代表作。
“装饰艺术”运动是一场承上启下的运动，它既对“工艺美术”运动、“新艺术”运动的自然装饰、中世纪复古表示反对，也对单调的工业化风格加以批评。因此，虽然在强调装饰上与前两个运动有相似之处，但是从承认工业化的角度来看，已很难说是它们的延续了。然而，又由于强调装饰化，因此与同期开始在德国发动的现代主义也有很大的区别。它是“新艺术”运动和现代主义运动之间的一个衔接，双方的特征都兼而有之，但却不是简单的重复或再现。
在思想和意识形态方面，“装饰艺术”运动与之前和之后的设计运动既有联系，又有区别。
一方面，对于过往的设计运动中片面强调中世纪的、古典主义的、哥特式的传统美，强调自然风格的、有机形式的装饰因素，强调手工艺的美，否定机械化时代特征这些方面，“装饰艺术”运动是持否定态度的；“装饰艺术”运动主张简单几何形式的美、机械化的美，为工业化生产的产品而设计，因此具有更加积极的时代意义。
另一方面，“装饰艺术”运动虽然与现代主义运动几乎是同时开展的，然而，其产生动机和所代表的意识形态却大相径庭。现代主义运动有明确的思想诉求，强调设计为大众服务，特别是为低收入的无产阶级服务，是“左”倾的、理想主义的，带有乌托邦式的空想社会主义色彩。而“装饰艺术”运动，秉承了以法国为中心的欧美国家长期以来的传统立场：为富裕的上层阶级服务。因此尽管“装饰艺术”风格的设计成果中也不乏大众化的流行产品，比如批量化生产的钢管家具、汽车等，但其本质仍然是为权贵、为上层社会而设计，其对象是资产阶级，两者在思想意识上的分野，是泾渭分明的。
然而，“装饰艺术”与现代主义之间又并不完全是矛盾的关系，在形式特征上，它们之间也有着密切而复杂的关联。虽然，“装饰艺术”运动非常强调装饰效果，但装饰却正是现代主义者反对的主要设计内容之一，他们认为“装饰即是罪恶”。然而，无论是在材料的运用上，还是设计主题的选择上，设计作品的造型特点上，以及设计作品的加工方式上，这两种设计运动都有着千丝万缕的联系。特别是在美国，现代工业设计与“装饰艺术”运动，就很难截然划分开来。比如美国设计家雷蒙德·罗维1937年为纽约世界博览会设计的“工业设计师办公室”，就很难说是单纯的现代主义风格，还是“装饰艺术”风格；法国现代主义大师勒·柯布西耶在1920年代中期设计的家具，也是两种风格兼有的。
“装饰艺术”运动将传统设计的精华，用来赞颂全新的机械化的摩登时代。由于很容易与各国的地方风格及民族传统装饰动机结合起来，因此，“装饰艺术”风格很快就在世界各地传播开来，几乎统治了从纽约到上海等大都市的天际线。它对手工技艺和机械生产同样重视，不仅有高端的纯艺术作品，也有价格实惠的新产品。“装饰艺术”风格再现了现代社会的多样性，满足了人们追求欢愉、逃离现实的需求。“装饰艺术”运动的设计师们，并不执着于某种纯粹而同一的风格，而是善于从不同的文化源头不拘一格地兼收并蓄，他们从传统的欧洲风格、从现代的前卫艺术、从俄国芭蕾舞舞台和服装设计中强烈的色彩和炫目的异国情调中寻求灵感，打造一种机械时代的都市形象。这些设计师勇敢地从地理距离上、时间上、文化上做了大跨度的搜寻，将许多东亚和非洲的造型和材料都用在他们自己的设计中。20世纪初年考古方面的重大发现更是燃起了他们对于古埃及和中南美洲的浪漫遐想。
这些因素，都使得“装饰艺术”风格显得特别优雅浪漫、性感迷人，同时，也被批评为“俗丽”“骄奢”。第二次世界大战打破了欧洲的繁荣奢华，也迫使“装饰艺术”运动消亡。但这场运动的装饰特点，在时装、首饰、化妆用品、高级酒具等方面，一直得以保持。而在1980年代，当现代主义的单调、枯燥受到批评的时候，“装饰艺术”的装饰特点则重新焕发出活力，在后现代主义风格中再次受到重视。
『新艺术』风格家具——法国设计师路易斯·莫卓列里设计的一对扶手椅。
直接受到古埃及出土文物装饰动机影响的1920年代女性时装。
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二、影响“装饰艺术”运动风格的重要因素</h2>
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（一）古代埃及装饰风格的影响</h4>
埃及对于艺术家和设计师而言，拥有一种特别的魅力。1922年，英国考古学家、探险家霍华德·卡特（Howard Carter, 1874—1939）发现了一个从未为人所知的古代帝王墓——图坦卡蒙陵墓（Tutankhamun）。大量的出土文物，展示出一个绚丽的古典艺术世界，震动了欧洲的设计师们。从墓葬出土的战车、家具、木乃伊棺木，尤其是金首饰和那副无与伦比的法老的金面具，采用简单明快的从自然抽象出来的几何图形，并加以变形，使用金属色系和黑白色彩系列，达到高度装饰的效果，给了设计师们强而有力的启示。这些距当时已有3300年的古物，引起公众对于古埃及所有一切的巨大兴趣。
古代埃及文物中常见的设计动机——莲花、金龟子、象形文字、桥塔和金字塔等等，很快地流行起来，从书籍装帧到饼干罐子，你都可以看到这些图像；甚至电影院的整个立面，都被装扮成古埃及宫殿的样子。
埃及元素在时装界尤为流行，有时甚至泛滥到匪夷所 思的地步。1920年代兴起的“木乃伊装”（Mummy Wrap）的设计灵感，就来自古代木乃伊身上层层叠叠的包裹布。这种风格一直流行到当下，一些影视明星仍然钟爱这种源自古埃及的装饰动机。
古埃及的设计构思是自日本风格传入欧洲以来的又一次重要的外来影响。
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（二）原始艺术和异域风格的影响</h4>
20世纪初以来，原始艺术的影响，特别是来自非洲和南美洲的原始部落艺术对于欧洲前卫艺术界的影响是非常大的。毕加索（Panlo Picasso, 1881—1973）的《亚维农的少女》就受到非洲原始艺术的影响；挪威艺术家爱德华·蒙克（Edvard Munch, 1863—1944）则在很大程度受到南美洲的原始部落文化影响。这种影响，同样在设计界得到深刻的反映。非洲部落舞蹈面具的象征性和夸张特点，以及明快简练的视觉语言，给了西方的艺术家和设计师们很大的启发。
世界各地不同的地方艺术、民间工艺，也是“装饰艺术”运动的一个重要源泉，异域的艺术品、家具、用具、服装、纺织品和民间工艺品中所呈现的生机勃勃、野性十足的原创动机，经过简化、风格化（很多时候是几何化），为现代化装饰提供了丰富的语汇。1920年代的欧美城市生活里，到处都充满了异国情调的装饰，莲花、热带鸟、跳舞的女郎或土著人形，都成为流行的因素。在装饰艺术、时装、电影、摄影、音乐和舞蹈等领域中，异域风情更加无处不在。
2011年洛杉矶家具展销会上陈列的一套现代主义风格的客厅沙发。
墨尔本古典家具拍卖会上陈列的一张『装饰艺术』风格的沙发。
美国大都会博物馆1934年展出了美国设计师雷蒙德·罗维的『设计师办公室』。
加州奥克兰派拉蒙剧场（paramount Theatre, Oakland, CA）的室内设计，采用了许多古埃及的装饰动机。
纽约佩森公寓（Pythian Temple, New York City）的建筑装饰细节，无论是色彩，还是纹样，都明显受到古埃及装饰风格的影响。
“装饰艺术”设计师们从中南美洲古代印第安文化（如玛雅文化、阿兹台克文化和印加文化）中汲取养分，创造出新的建筑和装饰造型来。不曾受到欧洲文化影响的中南 美洲土著传统文化，具有粗犷强劲的原创力，正好迎合了现代的品位和装饰需求。
纽约和美国其他大城市那些高耸的“装饰艺术”风格摩天大楼，顶层多采用阶梯式尖顶的形式，正是借用了中南美洲古代通灵塔的建筑元素；
至于电影院、大旅馆，甚至某些私人住宅里的室内装饰，以及一些首饰和陶瓷的设计，更是大量借鉴了玛雅和阿兹台克文明遗址中发现的几何图案，包括阳光放射型（sunbursis）、闪电型（lightningzug gyrates）、曲折型（zig-zags）、重叠箭头型（chevrons）、星星闪烁型（starbursts）、阿兹台克放射型（Aztec-shape Plinths）。
中国元素和日本元素亦是“装饰艺术”风格中重要的成分，“装饰艺术”时期的许多作品都采用了东亚地区传统的设计材料和制作技术。中国玉器光滑润泽的表面和妩媚多姿的色彩、日本漆器丰富性感的视觉和触觉效果令设计师们为之倾倒。
在“装饰艺术”风格的设计作品中，常常可以看到东亚艺术中对于自然因素和几何因素程式化的处理手法。日本元素看上去非常抢眼，但是，真正巨大的影响来自中国艺术。“装饰艺术”的设计师们大量借鉴了中国古代铜器和早期中国瓷器优雅的器型、精致的花纹，以及中式硬木家具简洁洗练的线条。
广袤的非洲以其丰富多彩的地理风貌和风土人情，为“装饰艺术”的设计师们提供了最丰富的异域风情想象力，非洲纺织品、盾牌和民间雕塑上那些粗壮的、抽象的、几何化的之字形图案，那些圆圈和三角形的组合成为“装饰艺术”设计作品上最常见的装饰纹样。
美国黑人艺术家萨金特·约翰逊1937年创作的一块建筑装饰浮雕，从非洲艺术和风土人情中汲取创作灵感。
尼古拉·苏汀设计的瓷茶壶，采用了构成主义的装饰手法。
爱尔兰女设计师艾琳·格雷1928年设计的一款漆器屏风，她曾师从日本漆器大师菅原清三学习髹漆技术。
旧金山莎图街450号的这栋26层高楼，是由建筑师提摩西·普福鲁伊格在1929年设计的，建筑立面的装饰采用了玛雅纹样。
法国画家劳尔·杜飞（Raoul Dufy, 1877—1953）1920年前后直接采用非洲黑人形象设计的装饰布。
英国女设计师克拉莱斯·克里夫1930年采用立体主义动机设计的茶壶。
法国设计师让·杜南（Jean Dunand）1912年设计的一对红漆小几，带有中国古典家具的神韵。
美国雕塑家保罗·曼施普的雕塑作品『普罗米修斯』。
瑞典雕塑家卡尔·米勒斯的雕塑作品『阳光』。
很多艺术家和设计师还直接运用从非洲传统的面具和雕塑中发掘到的非洲黑人形象作为设计的动机。在法国，雕塑家、画家让·兰伯特-鲁基（Jean Lambert-Rucki, 1888—1967）和设计师、画家皮埃尔·勒格兰恩（Pierre Legrain, 1889—1929）都曾设计和制作过非洲风格的雕塑、家具以及装饰用品。美国最早获得全国性声誉的黑人艺术家萨金特·约翰逊（Sargent Johnson, 1888—1967）以非洲艺术作为自己创作的源泉，在设计作品中强烈地表达了现代都市黑人的文化和活力。
1920年代的城市生活里，到处都充满了异国情调的装饰，莲花、热带鸟、跳舞的女郎或土著人形，都成为流行的因素。热带的木料和异域的材料，诸如黑檀木、象牙、鲨鱼皮、漆等，成为营造奢华、性感氛围的首选材料。在装饰艺术、时装、电影、摄影、音乐和舞蹈中，异域风情简直无处不在。
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（三）前卫艺术的影响</h4>
20世纪早期的前卫艺术，以其全新的视觉语言、丰富的色彩和大胆的意象，对“装饰艺术”运动造成深刻的影响。野兽派、立体主义、未来主义、“分离派”、至上主义、构成主义都被转化到“装饰艺术”之中。“装饰艺术”运动的设计师们采用这种几何化的、抽象的、割裂的艺术语汇，为现代都市生活和文化注入了生气。设计师们经常从那些艺术流派中获取灵感，例如粗重强烈的色彩、基本的几何图形，甚至非洲民间艺术的动机，从而形成了20世纪一股强劲的装饰设计流派。
同时，不少前卫艺术家也自己动手将他们的艺术理念应用到设计中去。在法国，犹太女画家索尼亚·德劳内将她的鲜艳色彩、几何造型用到设计海报、时装和纺织品，甚至汽车造型上去。在捷克斯洛伐克，艺术家、建筑师、设计师们将立体主义的理念运用到建筑和日常生活中的用品中去。俄国艺术家尼古拉·苏汀（Nikolai Suetin, 1897—1954）等人设计过不少至上主义风格的陶瓷和纺织品。
英国女设计师克拉莱斯·克里夫采用非洲装饰动机设计的陶器『阳光壶』（Sunray Vase, 1929—1930）。
法国设计师皮埃尔·里格兰（Pierre Ligrain, 1889—1929）1923年设计的矮凳，采用了非洲的装饰动机。
俄国女画家、时装设计师娜塔莉亚·S.岗察洛娃（Natalia S. Goncharova, 1881—1962）1923年设计的女装长裙。
澳大利亚新南威尔士的帕拉贡咖啡店（Paragon Cofe, New South Wales, Australia）里的这幅以希腊神话中的音乐之神奥菲斯为主题的浮雕，已被列入『装饰艺术』运动艺术遗产保护名单中。
1930年建成的芝加哥信托系统服务大楼（Trustees Systems Service Building, Chicago），红色砂岩贴面，装饰花纹和阶梯式的屋顶，明显地受到南美洲古代文明的影响，是由Thielbar + Fugard事务所设计的。
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（四）古典艺术的影响</h4>
第一次世界大战结束后，人们都在寻求抒情、欢乐的主题，不少艺术家、设计师便将他们的目光转向了古希腊、古罗马，飞行的欧罗巴、雅典娜等形象变得十分流行，纺织品、墙纸、玻璃器皿、装饰陶瓷罐上出现了许多希腊神话和罗马神话中的形象，诸如女猎手、舞蹈的花神等等。
在众多“装饰艺术”风格的艺术家、设计师中，瑞典雕塑家卡尔·米勒斯（Carl Mille, 1875—1955）和美国雕塑家保罗·曼施普（Paul Manship, 1885—1966）非常出色地将古典风格的裸体形象，制作成现代的公共雕塑或装饰性建筑浮雕，他们的设计深受公众欢迎。
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（五）“新艺术”运动的影响</h4>
“新艺术”是早于“装饰艺术”的一场设计运动，它发生在19世纪末期，到第一次世界大战前消逝。基于当时日益保守的政治氛围，“新艺术”被批评为“过于精巧”的“颓废”，它也未能满足现代民族风格的需求。
对于“新艺术”运动过于复杂的曲线、缠枝纹样以及过于崇尚手工技艺的倾向，“装饰艺术”运动的设计师们是持批评态度的，然而这并不影响他们也从“新艺术”运动的设计中吸收精华。而许多“新艺术”运动的老将，如毛利斯·迪佛雷纳、保罗·佛洛特等人，也已经认识到需要将传统的设计现代化，并且要应用到机械产品的设计中去。在奥地利，维也纳工坊（Wiener Werkstätte）保持了他们的 手工制作，不过，他们逐步放弃了世纪之交的时候，“分离派”所坚持的严格的几何形式，从而在传统装饰动机的基础上，发展出更加自由的装饰语汇来。
在“装饰艺术”运动设计师们寻求现代的装饰动机和语汇的过程中，阿特列尔·马汀学校的纺织品设计师们继承和发扬的“新艺术”的视觉语汇，以及约瑟夫·霍夫曼、查尔斯·马金托什等人的设计中所展示的更多直线和几何形状的设计手法，都给了他们非常直接的影响。
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（六）舞台艺术的影响</h4>
20世纪初期，舞蹈，特别是芭蕾舞开始出现了与传统决裂的重大改革。这种改革，在芭蕾舞重要中心之一的俄国已经有所发展。改革的内容体现在音乐、舞蹈编导、舞台设计、服装设计等各个方面，由著名芭蕾舞编导谢尔盖·迪亚吉列夫（Sergei Pavlovich Diaghilev, 1872—1929）带领的“俄国芭蕾舞团”（The Ballets Russes，英语：the Russian Ballets, 1909—1929）出国演出，也就把这种改革的影响带到欧洲，对于“装饰艺术”运动产生了非常强烈的影响。
在舞台表演中，美国出生的法国歌舞演员约瑟芬·贝克（Josephine Baker, 1906—1975）成为异域世界里原始风情的代表人物。1925年她去到巴黎，将原始野性与现代美国黑人的音乐和舞蹈熔于一炉的精彩表演，令她迅速走红，成为巴黎演艺界的巨星，她的舞台服饰也风靡一时。
另外一种造成影响的舞台艺术风格是美国的爵士乐。1920年代和1930年代是美国黑人爵士音乐发展的高峰期，这种强烈的、节奏鲜明而特殊的美国民间音乐和它的表演方式，对于设计家来说是极为新鲜和富于感染力的。因此，它的节奏与特殊的韵律感，都通过设计得到一定的体现。
1925年，『国际现代装饰和工业艺术展』在巴黎举行，图为大皇宫附近的展览场地。
1925年的巴黎展览中最令人瞩目的展馆——珍藏家酒店，由法国著名的建筑师皮埃尔·巴陶特设计。
法国设计师埃米尔·J.鲁赫曼设计的大沙龙室内。
巴黎1925年国际大展期间，巨大的雪铁龙汽车标牌悬挂在高耸的埃菲尔铁塔上。
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（七）汽车设计的影响</h4>
1898年前后，汽车被发明出来，很快成为重要的交通工具。20世纪初期，汽车被不少前卫人士视为未来的象征，速度感即是时代感。特别是第一次世界大战后，对于汽车的热爱在设计师当中非常流行，启发了“装饰艺术”运动的设计师们大胆地采用现代工业文明的成果，作为自己的设计构思，在形式上和思想上都具有相当重要的启迪作用。而“装饰艺术”运动在发展的高潮时期与汽车设计中第一个流行风格——“流线型”运动（Streamlining）互相影响，在许多设计中，特别是美国的建筑设计、产品设计中出现了两者兼有的特征，形成“流线型”现代风格（Streamline Moderne）。因此，有时候很难分清一栋1920年代到1930年代的美国高层建筑中哪部分属于“装饰艺术”运动，哪部分属于“流线型”风格，美国纽约的克莱斯勒大厦的设计就是一个典型的例子。产品设计中这类实例也不少，例如美国设计师鲁列尔·基尔德（Lurelle Guild, 1898—1985）1937年设计的Electrolux牌电动吸尘器，以及吉尔伯特·罗德（Gilbert Rohde, 1894—1944）1933年设计的台灯都具有流线型的特征，也是美国“装饰艺术”运动中很有代表性的产品设计。
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（八）大型国际展览的影响</h4>
在为了推动“装饰艺术”运动的发展而举办的多个展览中，最重要的当数1925年巴黎举行的国际展览会。该展览的正式名称是“国际现代装饰和工业艺术展”（the Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes），专门展览“现代装饰艺术”作品。这个展览吸引了欧洲几乎所有国家以及一些欧洲以外国家的几千名设 计师参展，有超过1600万观众前来参观，成为“装饰艺术”运动发展的第一个高潮。为了让法国品位和法国的奢华产品统领世界装饰艺术界，法国展品雄心勃勃地占据了展览的大部分展台，巴黎更借此机会展示了世界上最时髦城市的风貌。
白天，蜂拥而来的观众将各个主要的制造商、大百货公司和各国设计师设立的专题展馆，以及展场内的精品店大道挤得水泄不通；晚上，展场巍峨的大门、周围的桥梁和喷泉，以及散布在城市各处的巴黎重要景点，在彩灯的光芒下熠熠生辉，巨大的雪铁龙汽车标牌悬挂在高耸的埃菲尔铁塔上，将这个19世纪的建筑工程奇迹变成20世纪消费主义的巨大广告牌，展示了“装饰艺术”运动毫不掩饰的商业化倾向。
1925年的巴黎展览中，最令人瞩目的展馆大约要数珍藏家酒店［The Hôtel d'un Collectionneur，亦称鲁赫曼展馆（Ruhlmann Pavilion）］了。展馆的建筑由法国著名的建筑师皮埃尔·巴陶特（Pierre Patout, 1879—1965）设计，以一个名为“大沙龙”（Grand Salon）的巨大椭圆形展厅作为展馆的视觉焦点；室内设计、家具设计，以及展示设计，则由当时法国顶尖的家具设计师埃米尔·雅可布鲁赫曼领衔的一批著名的艺术家和设计师来完成。他们用新的技术和材料，将法国的传统设计加以现代化，“大沙龙”华丽奢侈的装饰、丰富的色彩、优雅的格局，被评论家们称为法国装饰艺术最重大的成果，并成为“装饰艺术”运动的标志之一。
美国设计师吉尔伯特·罗德1933年设计的台灯。
美国出生的法国歌舞演员约瑟芬·贝克的舞台服饰风靡一时。
英国皇家温顿陶瓷公司（Royal Winton）1934年生产的以爵士乐为装饰主题的咖啡壶。
俄国设计师里昂·巴克斯特（Leon S. Bakst, 1866—1924）1912年为俄国芭蕾舞团设计的演出服装。
美国设计师鲁列尔·基尔德1937年设计的Electrolux牌3D型电动吸尘器。
1927年，美国主流杂志《名利场》，以爵士舞人物为封面。
这次展览中，优雅大厅（Pavilion de l'Elé gance）是集中展示法国时装的中心，此外各个大百货公司，以及保罗·布尔列特（Paul Poiret, 1879—1944）、索尼娅·德劳内等法国时装界的重量级人物也都纷纷开设独立的展台，充分展示了法国时装的雄心和实力。由于该展览的目的是要 将巴黎打造成世界时尚中心和购物中心，因此，设置在亚历山大三世大桥上和精品店大道上的店铺，都是经过精心挑选的，橱窗也设计得格外漂亮。那些时装店里采用了最新式的人体模型，有些是用光洁滑顺的铸蜡制作的，栩栩如生，更加挑逗起观众的购买欲望。除了展示作用之外，这些店铺也以实惠的价格销售一些别致、时髦的新式服装。
这次展览明文规定了参展作品必须是表现现代精神的，展品的大部分也的确具有新时代的创新意味。这次展览对于确立“装饰艺术”风格的主题和形式都起到了巨大的作用，这次展览在世界各地都引起了积极的回响。英国、奥地利、荷兰、匈牙利、波兰、捷克斯洛伐克、意大利、西班牙、瑞典、丹麦以及苏联等众多欧洲国家都参加了这次巴黎国际展览，但德国和美国却引人注目地缺席了：德国在第一次世界大战中，是主要的侵略者，也是法国在装饰艺术和设计方面最强劲的竞争对手，因此，派送给德国的邀请函“到得太迟”，以至于德国来不及筹备送展。美国则是另外一个故事：美国商务部对该展览提出的“参展作品必须是现代设计”这一要求的回应居然是“美国没有现代设计”（“there was no modern design in America”）。不过，美国虽然没有参展，美国艺术家和设计师们却是非常积极地前来巴黎参观展览，这次展览对于美国现代设计的兴起和发展起到重大的推动作用。美国工业设计的先驱人物唐纳德·德斯基（Donald Deskey, 1894—1989）就是参观了这次展览会后，在纽约开设了他的设计咨询事务所的。
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三、“装饰艺术”运动的设计特点</h2>
“装饰艺术”并不是一种单纯而统一的风格，但在强烈的装饰性、简洁的几何外形、独特的色彩系列和材料的选择等方面，仍具有一些共同的特点。
法国设计师埃德加·布兰德特（Edgar Brandt, 1880—1960）1930年代设计的金属台灯，采用几何化的植物和花卉图案做装饰，布局对称。
法国设计师利涅·拉里克1925年设计的香水瓶，用磨砂工艺制造出几何格纹作为装饰。
1920年代法国出品的『装饰艺术』风格纺织品，群芳吐艳的花篮，浪漫情怀的缎带，都很有法国特色。
德裔美籍设计师金姆·韦伯（Kem Weber, 1889—1963）1934年设计的扶手椅，线条流畅、色彩鲜明，是典型的『装饰艺术』风格作品。
1930年代美国酒吧中的一个鸡尾酒托盘，直接采用各种相互切割的圆形作为装饰图案，是『装饰艺术』风格的一种表现手法。
法国时装设计师珍-M.朗万（Jeanne-Marie Lanvin, 1867—1946）1920年前后设计的女性时装。
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（一）简洁的几何外形</h4>
和以往历次设计运动强调从有机的自然形态中找寻装饰动机不同，与大工业生产联系比较密切、具有强烈时代特征的“装饰艺术”风格的设计，不论是巨大到如建筑中的高楼大厦，或小巧如台钟、相机，大多采用了简洁的长方形块状结构，以几何方式衔接起来，然后再用曲线的装饰元素令这些“方块”生动起来。这些装饰元素，通常都是重复连续的，除了视觉效果的考虑之外，便于机械加工和批量化生产亦是一个重要的考量。
“装饰艺术”风格的建筑和产品，通常都表面光洁、平直，边缘清晰，线条流畅而简练。阶梯式的造型在“装饰艺术”风格设计中，运用得相当普遍。不仅应用在建筑和家具设计上，也应用在产品设计中。
在建筑方面，窗边、门边的刻槽或嵌线，或者浅浮雕的装饰板，凸显纵向延伸的平行线装饰，都是常见的装饰手法。主立面上加上塔楼，增强挺拔的效果，也时有可见。
“装饰艺术”风格的产品，则大多具有光滑圆融、线条流畅、色彩鲜明等特征，造型大多是长方形或其他直线形状，用到曲线时，亦大多是浑厚的圆弧。
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（二）强烈的装饰性</h4>
“装饰艺术”风格，对功能的考量不像现代主义那样十分强调，但所有的设计都很强调装饰性，不论是建筑、产品、平面设计等等，总会附有一些装饰的细节。作为对于迅速发展的工业化时代的一个回应，“装饰艺术”的装饰图案时常刻意与自然元素拉开距离，与“新艺术”运动中大量采用的天然植物动机、曲折缠绵的纹样不同，“装饰艺术”运动中所采用的装饰纹样大多是有棱有角、强劲利落的，即便是植物性的纹样，也常常被几何化了，立体主义化了，比较简约。强而有力的阳光放射型、闪电型、曲折型、重叠箭头型、星星闪烁型、阿兹台克放射型、埃及金字塔形等元素，被广泛使用。这些几何动机，究其来源依然是古典埃及、中美洲和南美洲的古代印第安人文化（比如玛雅、阿兹台克、印加文化）。但这些，亦是对于日益普遍进入生活的电力的模仿，对当时风行的爵士音乐的随意性、突发性的一种描述。
展览中采用了铸蜡制作的新式模特儿，栩栩如生。
英国设计师威尔斯·柯特斯（Wells Coates, 1895—1958）1934年为伊克（Ekco）公司设计的65型收音机，以同心圆为构思主题。
1925年出品的朗森打火机（Ronson Lighter），外形由直线和浑厚的圆弧组成，具有明显的『装饰艺术』风格。
直接采用几何图形，如矩形、方形、圆形、菱形等作为装饰图案，也是“装饰艺术”风格设计的独特手法。连彩色镶嵌玻璃和金属护栏上面，也多采用了对称的、连续的几何图案，而在以往，这些装饰通常采用的是取自自然的植物、花卉等图案。
“装饰艺术”风格的产品通常具有厚重的体量、清晰的边界，其设计重点仍然在表面的装饰上。常用的手法有：在平坦的表面上刻出凹槽或留出凸纹，用贵重材料贴面、髹漆、镀金，在造型比例上强调纵向效果，突出垂直感。
彩绘的装饰手法，在“装饰艺术”风格中也应用得比较广泛，而且通常会使用鲜艳、明亮的颜色。
在墙纸和纺织品的设计中，水果或花卉组成的环状装饰、喷涌而出的水流都是常见的动机。家具设计中还时常采用精工镶嵌或镀金，这样奢华的美学标准，需要手艺高超的传统工匠才能完成。
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（三）独特的色彩系统</h4>
“装饰艺术”具有鲜明强烈的色彩特征，摒弃了“工艺美术”运动和“新艺术”运动中讲究典雅含蓄、温柔婉约的奶油色系、泥土色系，特别重视强烈的原色和金属色彩，其中包括鲜红、鲜黄、鲜蓝、橘红和金属色系列古铜、金、 银等色彩。“装饰艺术”风格的设计师们在色彩方面既优雅浪漫，又浓烈大胆，红色、绿色、橘色、白色与黑色、金色、银色的搭配造成强烈的对比。大胆地采用黑白等强烈的对比色，以及以往比较少见的珊瑚粉、波斯靛等，形成了独特的色彩系统。
在室内色彩上，墙面通常采用比较柔和的米色、灰褐色或浅棕色，这些比较中性的颜色正好为画龙点睛似的戏剧化高光做好铺垫，以便令室内陈设的色彩鲜艳的地毯、壁挂、家具、装饰品和艺术品更加跳脱出来。
黑色和烟灰色常被看作是新技术、现代化的象征，在“装饰艺术”风格的室内设计或产品设计中，亦很常见。
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（四）材料的选择</h4>
“装饰艺术”风格的设计师们陶醉于奢华的设计语汇，黑檀木、斑马木、皮革、丝绸、青铜等，都是他们的首选材料，并时常采用鲨鱼皮、象牙、黄金等贵重材料加以点缀，强化奢华、性感氛围。随着中国、日本等东亚艺术热度的高涨，生漆在“装饰艺术”运动家具和装饰品中的应用也日益普遍。高光泽的镜面、玻璃，高度抛光的镀铬金属材料等，在“装饰艺术”运动中亦都广泛地被用来打造一种现代的、华丽的氛围。
“装饰艺术”风格实际上是富裕奢华、充满闲情逸致的生活形态的反映，在1929年经济大萧条爆发之后当然难以为继。
1929年华尔街金融业崩溃引发了美国经济的大萧条，对奢华设计而言，是一个沉重的打击，但同时也开辟了另一个新的商机，更加提升了民众对那些价格实惠的日用消费品，那些符合现代机械美学观念、可以用现代的机械化方式进行批量生产的价廉物美产品的需求。因而，玻璃、胶合板、镀铬铁材、黑胶木和卡塔林（Catalin，一种铸塑酚醛塑料）等新兴塑料，由于适用性强、易于仿真（例如仿玳瑁、仿大理石等）、便于机械化批量化生产，也得到更加广泛的运用。
伯恩哈特1908年为斯梯勒鞋厂设计的广告。
美国设计师乔治·佛莱（George Frye）1932年设计的一张茶几，采用镀铬钢材和磨砂玻璃制成。
法国设计师鲁赫曼1918年为一位银行家设计的书桌，装饰花纹用琥珀镶嵌而成，把手材料是象牙，桌面正中以鲨鱼皮贴面，极尽奢华。
美国电钟生产厂家特列克隆（Telechron）1929—1931年间出品的小座钟，以摩天大楼为造型，色彩非常鲜艳。
纽约克莱斯勒大楼内电梯间的装潢和色彩系统，颇具『装饰艺术』风格特点。
意大利设计师普里尼奥·科多纳托（Plinio Cogdognato, 1879—1940）1927年为帕尼扎帽子公司设计的广告，显示该公司的礼帽适合所有男士。
德国设计师鲁西安·伯恩哈特为普莱斯特火柴设计的广告，画面单纯，传递目标明确。
特别值得提及的是当时还属于创新材料的塑料，在“装饰艺术”运动中，被赋予了现代化、工业化的想象力，除了工业生产的家庭用品之外，表面平滑、精细抛光、色彩丰富明丽的塑料还广泛地应用于首饰和家具设计之中。
在建筑材料方面，灰泥、混凝土、表面平滑的石材、红陶比较常见，钢铁、铝等金属材料则常常与玻璃配合使用，增强镜面的装饰效果。
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四、“装饰艺术”风格在平面设计上的发展</h2>
1920年代，现代艺术运动风起云涌，刚刚过去的第一次世界大战更使人们认识到传媒、宣传的重要性，当时，无线电、收音机尚未普及，各种信息的传递在很大程度上依靠海报和广告。在这种历史背景下，平面设计作为“装饰艺术”运动的一个重要组成部分，得到很大的发展。
在现代主义艺术运动，特别是立体主义运动的影响下，在“装饰艺术”运动的影响下，欧洲一些国家出现了以海报为中心的新平面设计运动，由于都以绘画为设计的核心，同时又受现代主义艺术运动影响，因此被称为“图画现代主义”运动（the Pictorial Modernism）。该运动基本局限在平面设计范围之内，非常注重图像和文字的整合效果，综 合了当时流行的各种现代艺术流派和设计流派的特点，发展出自己独特的、新鲜的平面设计风格来。这场运动源起于德国，从1905年德国设计师鲁西安·伯恩哈特（Lucian Bernhard, 1883—1972）的“普莱斯特”火柴广告开始，一直发展到第二次世界大战爆发前。对于整个西方平面设计具有重要的推动作用。
受到第一次世界大战凸显出来的对于大众传播高度需求的启发，设计师们综合了立体主义等早期现代艺术运动的视觉语汇，创作出的大量广告和海报成为西方社会一种大众喜闻乐见的重要传媒工具。设计师们从现代艺术中汲取养分，脱离了以往的自然主义倾向，转而形成了自己独特的风格面貌，形成新的视觉语言：画面简洁、形象鲜明，以平涂的原色为主要色彩，强调诉求力。法国、意大利、美国等地的平面设计师，创作的大批商业性海报和广告，尤其引人注目。这些海报画面绚丽，形象鲜明，诉求明确，力图为人们描绘出一幅“现代化”和“未来”的美好景象，在当时社会生活中，具有很大的影响力。这场运动在1920年代和1930年代，对于整个西方平面设计起到重要的推动作用，其深远影响迄今仍可感觉得到。
与“新艺术”运动的广告仍以写实手法为主不同，“装饰艺术”运动在平面设计上，从现代艺术的发展汲取养分，亦采用了许多抽象、变形、立体主义的创作手法。“装饰艺术”重视色彩明快、线条清晰和具有装饰意味，同时非常注意平面上的装饰构图，大量采用曲折线、成棱角的面、抽象的色彩构成，产生高度装饰的效果。
三款1930年代的项链，都是由镀铬金属和酪朊塑料（Galalith）制作的，『装饰艺术』运动中，人造材料珠宝异军突起，成为时尚。
加拿大太平洋轮船公司（Canadian Pacific）『法国皇后号』1925年1月14日从纽约开往远东的航期公告。
法国画家居里安·拉卡泽（Julien Lacaze, 1886—1971）1930年创作的巴黎旅游宣传海报。
法国海报设计师罗杰·布洛德斯为法国维希市创作的旅游宣传海报。
法国宝诗龙公司1920年代末出品的这款宝石扣针，是由设计师鲁西安·赫兹（Lucien Hirtz, 1864—1928）设计的，色彩具有典型的『装饰艺术』风格。
英国海报设计师哈拉斯·泰勒（Harace Taylor, 1881—1934）1920-1925年间为英国皇家邮轮创作的宣传海报。
荷美航线为邮轮STATENDAM1929年春季投入营运所做的宣传海报，采用抽象画面、色彩明快，很有装饰意味，是由法国平面设计大师A.M.卡桑德拉设计的。
在1920年代，随着欧美各国交通和旅游业的迅速发展和普及，消闲旅游成为时尚，向年轻人和富人推销外国（异国情调）的旅游观光景点变得越来越重要。于是，旅游海报就成了“装饰艺术”运动中平面设计的一项重要内容。既有关于火车、游艇航线的介绍，也有对各旅游热点风土 人情的描绘。
另一个重要的海报题材是电影，电影在19世纪末走进人们的生活，引起人们越来越大的兴趣，然而在1927年之前，电影尚是无声的。1927年，第一部有声电影《爵士歌手》（The Jazz Singer ）登上大银幕，1935年，第一部彩色故事片《蓓姬·夏普》（Becky Sharp ，亦有人根据小说原著而译成《名利场》）问世，昭示着电影艺术的日趋成熟。好莱坞的影响越来越大，电影海报也与时俱进地成为平面设计的重要题材。在“装饰艺术”运动的发展过程中，平面设计取得了巨大的进步。广告，尤其是电影海报、旅游海报进入了大批量制作和发行、获得高额回报的阶段。
1927年为德国乌法电影公司出品的影片《大都会》（Metropolis ）设计的宣传海报，既不像现代主义风格的无饰线字体那么简洁明了，又不像“新艺术”运动风格的字体那么婀娜多姿，“装饰艺术”风格的字体设计，和整个运动的基本风格相当协调：粗壮的黑体，平行的装饰线；是一种带有装饰性的现代字体，在这方面，法国平面设计师A.M.卡桑德拉（原名为Adolphe Jean-Marie Mouron, 1901—1968, A. M. Cassandre是他的笔名）贡献很大，他为法国的德拜尼与派诺字体铸造工厂（the Deberny and Peignot type foundry）设计的彼夫字体（Bifur typeface），具有大胆采用当时流行的“装饰艺术”风格和前卫艺术风格的特点，成为当时最流行的风格典范。他设计的比较重要的字体还有1936年设计的Acier Noir字体，1937年设计的Peignot字体，以及1947年设计的Touraine字体。除了海报设计、字体设计之外，卡桑德拉后来还做过一些企业标志设计，其中最著名的要算是他为法国时装大师圣罗兰（Yves Saint Laurent, 1936—2008）设计的标志了。
卡桑德拉为法国轮船『大西洋号』设计的海报。
卡桑德拉为『北线快车』设计的海报。
瑞典海报设计师卡尔·G.贝格罗（Carl Gustav Berglow, 1899-1979）1932年为美国电影《激情水暖工》（The Passionate Plumber ）绘制的电影海报。
法国设计师A.M.卡桑德拉1929年设计的彼夫字体。